Por dentro da Arte

Movimento de “avant-garde” europeia, o Expressionismo é menos um estilo do que uma corrente que exprime o sentimento existencial de uma jovem geração. A partir de 1920, os artistas expressionistas – especialmente na Alemanha, mas também em outros países europeus – abandonaram as convenções, libertaram-se da descrição impressionista da natureza, revoltaram-se contra os ideais burgueses e a nostalgia do classicismo greco-romano. Os expressionistas procuraram dar um novo rosto às experiências mais elementares: optaram por cores violentas e simplicidade das formas; apaixonaram-se pelo obscuro e abstrato. Os seus universos picturais tanto podem testemunhar o fervilhar urbano como a melancolia do paraíso perdido. Friedrich Nietzsche (1844-1900), o filósofo subversivo, é considerado o modelo perfeito do homem expressionista, liberto de toda a autoridade e materialismo.

Pintado entre 1906 e 1907, As Meninas de Avinhão de Pablo Picasso (1881-1973) é considerado o primeiro quadro cubista de grande dimensão. Com a obra o pintor espanhol abria as portas à primeira revolução na arte do século XX e parecia cumprir o preconizado pelo pós-impressionista Paul Cézanne: “Todas as formas da natureza se reduzem à esfera, cone e cilindro”. Os cubistas desafiaram a regras clássicas da representação espacial, da coloração naturalista e da reprodução dos corpos nas proporções naturais. A ilusão de espacialidade deu lugar à bi dimensionalidade e aos corpos planos. As representações cubistas não mostram os objetos tal como são vistos pelo olho. Cada motivo é representado a partir de diversos ângulos de percepção que o espectador é convidado a descobrir e explorar. O cubismo teve o seu melhor momento entre 1907 e 1914, mas mudou para sempre a forma de ver a realidade.

O Surrealismo surgiu em Paris no período compreendido entre a Primeira e a Segunda Guerra Mundial. Revoltado com o estilo de vida superficial e contaminado pela ciência da sociedade burguesa – que culpava pelo início da Primeira Grande Guerra –, um grupo de artistas tentou banir a racionalidade e a lógica do processo criativo. Inspirados pelas ideias de Freud acerca do subconsciente, os surrealistas recusaram o materialismo burguês e procuraram a liberdade e espontaneidade através da exploração do sonho e da alucinação. Para os artistas surrealistas, a capacidade de ver não vinha do olho mas sim do interior, do subconsciente. Processos como a escrita automática, no nível da literatura, ou a colagem e a decalcomania, no nível das artes plásticas, tornaram-se muito populares entre os surrealistas que as utilizavam na produção dos seus jogos de associação livre de sentidos.

Em 1916, um conjunto de artistas plásticos, escritores, filósofos e políticos reuniam-se no Cabaret Voltaire, em Zurique. Com a Primeira Guerra Mundial como pano de fundo, este encontro constituiria o ponto de partida para a disseminação do pensamento dadaísta, primeiro na Europa e, mais tarde, nos Estados Unidos. O Dadaísmo não foi apenas uma corrente artística. Pelo contrário, tratou-se de um verdadeiro movimento literário, musical, filosófico e até político. Os dadaístas rejeitavam os valores burgueses e os sistemas estéticos a eles associados. O seu objetivo era desafiar a lógica, a moral e as convenções através da criação de uma anti-arte provocadora. Apesar de existirem grupos muito ativos de artistas dadaístas em cidades como Hanôver, Colônia e Nova Iorque, foram em Paris, no início da década de 20, que o movimento atingiu o seu auge tardio e final.

Este estilo de representação próximo da realidade compreende um vasto espectro de abordagens, como o neo-realismo, o realismo fotográfico, o cool realism, entre outros. Mas as suas origens, no âmbito das artes plásticas, remontam ao século XIX, quando uma tendência artística adaptou esta designação para se diferenciar dos movimentos dominantes na época. O método de representação associado a este estilo foi desenvolvido, sobretudo, pelo pintor francês Edouard Manet. Na sua evolução, o aparecimento da fotografia teve um profundo efeito sobre as obras realistas. Em geral, o Realismo e as suas diversas manifestações não possuem um conteúdo comum: nos Estados Unidos, se Edward Hopper (1882-1967) representa imagens frias (como Morning Sun, de 1952), Charles Sheeler (1883-1965) produz imagens industriais (como City Interior, de 1936). Por isso, apesar da denominação “realista” e da representação do real de forma exato e objetiva, destaca-se, entre os vários artistas, um pluralismo estilístico, associado à interpretação subjetiva da realidade.

1909 foi o ano da “revolução” futurista em Itália: Marinetti publicou a 20 de Fevereiro o primeiro Manifesto do Futurismo, uma nova fórmula da arte-acção. Durante as três décadas seguintes, vários artistas de diferentes campos culturais reuniram-se com o objetivo comum de renovar a vida social, tomando como ponto de partida os novos desenvolvimentos técnicos e as últimas descobertas científicas. Assim, o Futurismo não se define como uma tendência vanguardista, mas um movimento vital que glorifica de modo ilimitado a técnica e a velocidade numa sociedade industrializada. Em consequência, o automóvel é, na opinião dos futuristas, mais belo do que uma tradicional obra de arte. Na pintura, os artistas Balla (1871-1958), Boccioni (1882-1916), Carrà (1881-1966), Russolo (1885-1947) e Severini (1883-1966) subscreveram a 11 de Fevereiro de 1910 o Manifesto dos Pintores Futuristas. Entre os oito princípios propostos, apenas se distinguia vagamente um objetivo estético: “Representar e enaltecer a vida atual, incessante e tumultuosamente transformada pela ciência vitoriosa”.

Uma nova geração de artistas em Nova Iorque, nos anos 40, deu origem ao Expressionismo Abstrato, um nome e um movimento que eles próprios renegavam. Por quê? A definição de um estilo ou a caracterização do grupo limita o individualismo dos artistas, as suas diferentes interpretações e criações. Os antecedentes deste movimento artístico remontam aos anos 20 e 30 e a três momentos cruciais – a Federal Arte Project (FAP), de Franklin D. Roosevelt, e as exposições Cubismo e Arte Abstrata e Arte Fantástica, Dadaísmo, Surrealismo no Museum of. Modern Art. Pela primeira vez, artistas como Willem de Kooning (1904-1997), Arshile Gorky (1904-1948), Lee Krasner (1908-1984) e Jackson Pollock (1912-1956) puderam sobreviver a partir do seu trabalho artístico, ao mesmo tempo em que se influenciavam reciprocamente. Os expressionistas abstratos interessavam-se pelo subconsciente como fonte de inspiração, pelas técnicas pictóricas do Surrealismo e pela concepção da pintura como “exploração, afirmação e expressão de um mesmo”.

Apesar do fantástico estar presente em várias tendências artísticas (nomeadamente o Surrealismo, o Dadaísmo, entre outras), apenas no século XX se pode considerar a Arte Fantástica como um gênero independente. É habitual definir- se esta corrente artística como um contraponto da arte convencional, mas também se pode encontrar nela uma formulação concreta do real. O fantástico é abordado nas artes plásticas, na literatura, na arquitetura, na música, no cinema e até na ciência. Nas artes plásticas, esta tendência evoluiu, ao longo do século XX, de uma visão fantástica do mundo, da natureza e do universo para uma contemplação introspectiva da pessoa, do indivíduo, do corpo e do eu. Os vários artistas que se identificam com este movimento não têm uma nacionalidade e cultura comuns: Wifredo Lam (1902-1982) é cubano, Sidney Nolan (1917-1992) é australiano, Frida Kahlo (1907-1954) é mexicana, Peter Blume (1906-1992) nasceu na Rússia e viveu nos Estados Unidos.

Com origem na Inglaterra dos anos 50, é nos Estados Unidos, durante a década de 60, que a Pop Art. conhece o seu período mais próspero. Reagindo ao Expressionismo Abstrato, que, a partir dos anos 40, floresce em solo norte-americano e reforça a individualidade do criador através da rejeição dos elementos figurativos, artistas como Andy Warhol (1931-1987) , Roy Lichtenstein (1923-1997) ou Tom Wesselmann (1931) transpõem para o campo da arte a iconografia da cultura popular. A publicidade, a fotografia, a banda desenhada e o design tornam-se a sua principal fonte de inspiração. A Pop Art. celebra a linguagem da cultura urbana e as maravilhas da sociedade de consumo: garrafas de Coca-Cola, latas de sopa ou até pacotes de detergente são reproduzidos vezes sem conta. O abismo entre a cultura de elite e a cultura popular é ultrapassado e o quotidiano torna-se arte.

     A Semana de Arte Moderna ocorreu em uma época cheia de turbulências políticas, sociais, econômicas e culturais. As novas vanguardas estéticas surgiam e o mundo se espantava com as novas linguagens desprovidas de regras. Alvo de críticas e em parte ignorada, a Semana não foi bem entendida em sua época. A Semana de Arte Moderna se encaixa no contexto da República Velha, controlada pelas oligarquias cafeeiras e pela política do café-com-leite.

    O capitalismo crescia no Brasil, consolidando a República e a elite paulista, esta totalmente influenciada pelos padrões estéticos europeus mais tradicionais.

Seu objetivo era renovar o ambiente artístico e cultural da cidade com "a perfeita demonstração do que há em nosso meio em escultura, arquitetura, música e literatura sob o ponto de vista rigorosamente atual", como informava o Correio Paulistano, órgão do partido governista paulista, em 29 de janeiro de 1922.